Museen in Bremen

Museen, Ausstellungen und kulturelle Bildung in Bremen

Merkliste
Museumszeit

Pierre Allain, Theresa Hak Kyung Cha, Claire Fontaine, Shadi Harouni, Mira M. Yang: if words are to be sounded

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if words are to be sounded ist ein gemeinsames Ausstellungsprojekt von CAP • Saint-Fons, GAK Bremen und Le 19, Crac, Montbéliard, das Sprache als performatives Medium des Imaginären untersucht.

Die Ausstellung if words are to be sounded ist das Ergebnis dieser deutsch-französischen Zusammenarbeit. Ihr Ausgangspunkt war die kollektive Auseinandersetzung mit dem poetischen und eklektischen Werk von Theresa Hak Kyung Cha (1951–1982). Wir präsentieren entsprechend eine kleine Auswahl an Video und Audio, Bilderserien und Textcollagen, in denen Cha mittels einer ständigen Verflechtung von Wörtern, unterschiedlichen Sprachen, Zeichensetzung und Klängen durch Erinnerung und Verlust navigiert und die wir als Einladung und Szenografie für die Arbeiten von Pierre Allain, Claire Fontaine, Shadi Harouni und Mira M. Yang verstehen. Die in der Ausstellung versammelten Arbeiten, die von Fragen zu Erinnerung, Grenzen, Widerstand, Verletzlichkeit und Weitergabe durchdrungen sind, widmen sich dem Wert und den Werten von Worten und erkunden die Möglichkeit einer Neudefinition von Beziehungen.

Indem die Ausstellung unterschiedliche Erfahrungen von Sprache, Exil und Erinnerung in einen Dialog bringt, schafft sie einen Reflexionsraum dafür, wie Worte, Bilder und Körper zur Entstehung neuer Formen von Aufmerksamkeit, Zusammenleben und bisweilen auch Widerstand beitragen. Durch Sprache versuchen Individuen, die Welt zu deuten, Regeln aufzustellen und zu kommunizieren. Sie ermöglicht und reguliert das soziale Dasein, vermittelt Werte und erfordert ständige Übersetzung. Wenn Sprache nicht mehr als Fundament dient und gemeinsame Werte verloren gehen – auch wenn wir weiterhin glauben, sie biete einen konkreten Orientierungspunkt –, wo könnten dann neue Formen der Nähe und neue Bedeutungen entstehen?

Veranstaltungen

Do, 29.10., 19:00
Joana Atemengue Owona & Dejvi Haxhi: Upon careful deliberation I admit 2 having drilled a hole in the water – Lesung

So, 1.11., 12:00
Kostenfreie Kurzführung

Do, 12.11., 19:00
Sophie Seita: plastic lip slot machine – Performance

Sa, 14.11., Uhrzeit tbd
Noelle BuAbbud: that might resemble speech – Workshop

So, 6.12., 12:00
Kostenfreie Kurzführung

So, 3.1.27, 12:00
Kostenfreie Kurzführung

Amy Balkin, Felisha Carénage, eghbal joudi, Zhenru Liang, Angela Lieber, Bubu Mosiashvili, Julija Paškevičiūtė : [Das Dazwischen verorten]

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Vom 11. bis 13. September lädt [Das Dazwischen verorten] zu einer Intervention entlang des linken Weserufers, welches in den kommenden Jahren aufgrund neuer Hochwasseranforderungen grundlegend neugestaltet wird. Mit u. a. Installationen, Fotografien, Soundarbeiten, Spaziergängen und Performances verhandeln sieben Künstler:innen die Strecke zwischen Wilhelm-Kaisen-Brücke und Stephanibrücke als Ort des Übergangs.

Für die einen ist es der tägliche Weg zur Arbeit, oder zur Entspannung an den Werdersee; für Brauereien und Fabriken seit Jahrhunderten Ort der Produktion, Anlieferung und Verschiffung von Waren; für die Platanen und Vögel umkämpfter Lebensraum – der Stadtraum entlang des linken Weserufers ist geprägt von vielen unterschiedlichen Präsenzen. Aufgrund steigender Wasserspiegel und neuer Anforderungen an den Hochwasserschutz wird sich der Stadtstrecke genannte Deichabschnitt zwischen Piepe und Stephanibrücke in den kommenden Jahren grundlegend verändern.

Bevor 2028 die Umbauten beginnen werden, lädt [Das Dazwischen verorten] vom 11. bis 13. September zu einer künstlerischen Ortsbegehung zwischen Stephanibrücke und Wilhelm-Kaisen-Brücke ein. Sieben Künstler:innen aus Bremen und darüber hinaus kommentieren und markieren den Ort mit temporären Skulpturen, Malereien, Fotografien und Soundarbeiten. Sie richten den Blick auf das, was schon (und noch) da ist, verhandeln Zustände des Überganges oder imaginieren Zukunftsszenarien. Neben Werken, die das ganze Wochenende über zu sehen sind, gibt es ein Programm mit Spaziergängen, Performances und Aktivierungen.

Julia Horstmann: manipulated fragments

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manipulated fragments von Julia Horstmann ist die sechste und letzte Ausstellung in der Reihe for fear of continuity problems, die sich in einem Teilbereich der GAK sowie den Posterrahmen im Außenraum mit Erinnerung und Gedächtnis auseinandersetzt.

In ihren Arbeiten hinterfragt Julia Horstmann, welche sozialen und gesellschaftlichen Bedingungen oder auch Utopien in Architekturen mit entworfen werden. Ein Material, eine Blickachse oder die zunächst abstrakt erscheinenden Linien einer architektonischen Zeichnung erzählen dabei viel von den zugrunde liegenden gesellschaftlichen Überzeugungen oder Direktiven, die sich in Räumen abbilden. Sie haben konkrete Auswirkungen auf das Leben, das in ihnen stattfindet, ihre Herleitung oder Entwicklung jedoch bleiben oftmals unsichtbar. Gleichzeitig hat die Gestaltung von Raum unmittelbare Auswirkungen nach außen, auf gesellschaftliche Rollen, auf Ein- und Ausschlüsse ebenso wie auf Ängste.

Für die Posterrahmen bringt Horstmann in Zeichnungen und Collagen Psychiatriegrundrisse der letzten 300 Jahre zusammen, in denen wandelnde Konzepte von Überwachung, Behandlung und Präsentation aufeinandertreffen. Die als Linien und Öffnungen sichtbaren Wände verhandeln Grenzbereiche von Rückzug und Ausschluss und die Kontrolle von Kontaktzonen. Das Spannungsfeld innerhalb dieser realen Räume erweitert sich heutzutage zunehmend auch auf imaginäre Räume und den Kontakt mit KI.

Im Innenraum der GAK entwickelt sie ebenfalls ausgehend von Grundrissen ein Szenario zwischen historischer und gegenwärtiger Orientierung, Erinnerung und Vergessen. Ausgangspunkt ist der Gedächtnispalast, eine Methode der Erinnerung, bei der die zu erinnernden Inhalte mit Räumen und sich darin befindenden Objekten verknüpft werden, die anschließend zur Vergegenwärtigung gedanklich durchschritten werden können. Im englischen heißt die Methode „memory theatre.“ Diesen Bezug zum Theater, zum Spielen und Aktualisieren, der sich in jeder neuen Beschäftigung potenziell ereignen kann, greift Horstmann auf, um alte Verknüpfungen zu hinterfragen und neue vorzuschlagen.

C.B. Evans: Ad Hoc Order

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Am 20. November 2099 geht in MEMORY! (2025) eine Erinnerung verloren. C.B. Evans‘ Videoarbeiten und Skulpturen, die hier im Kontext unserer Ausstellungsreihe for fear of continuity problems gezeigt werden, richten sich gegen den Schutt, den Abfall und die Toxizität, die durch die systematische Zerstörung der Zukunft entstehen.

Häufig nutzt C.B. Evans (belgisch-amerikanische Künstler:in, leben und arbeiten in Saint Denis, Frankreich) die Form der Videoinstallation, um Umgebungen in einer imaginierten Welt zu schaffen. Die Kunstwerke, aus denen diese Umgebungen bestehen, greifen technologische, politische und soziale Bedingungen der Gegenwart auf, um ihre zukünftigen Auswirkungen zu untersuchen und neu zu gestalten. Diesen oftmals vermeintlich abstrakten Konstellationen gibt Evans‘ in ihren Arbeiten eine emotionale Dimension.

Zum Ausgangspunkt der Ausstellung Ad Hoc Order werden die zwei Videoarbeiten MEMORY! (2025) und RECEPTION! (2024) – Charakterstudien einer Protagonistin und ihrer Doppelgängerin, eine Erinnerung, die ihren Körper verlassen hat. Beide leben in einer Welt, in der eine ökologische Krise zu einem Speicherplatzmangel führte und woraufhin die Bevölkerung einen Großteil ihrer persönlichen Daten verloren hat. Erstmals wurden die aufeinander reagierenden Arbeiten 2025 auf der Sharjah Biennale gezeigt, zusammen mit der Werkreihe Ad Hoc Order: Ein scheinbar aufgerissenes skulpturales Modell, das den Plenarsaal der Vereinten Nationen in New York neu imaginiert und das auf den Trümmern der zerstörten Stadt erbaut wurde. Während MEMORY! diese Umgebung aufgreift, spielt RECEPTION! in einem anderen Raum – dem ehemaligen Europäischen Parlament, welches zu einem „Globalen Archiv für Erinnerungsmanagement und -archäologie“ (Global Archive for Memory Management and Archaeology GAMMA) umgenutzt wurde. Die Arbeiten zeigen einzelne Charaktere, die, verwoben mit computergenerierten, gefundenen und festgehaltenen Bildern, auf Übersetzungsprozesse des kollektiven Gedächtnisses und kollektiver Verantwortung aufbauen. Beide fragen danach, wie und ob Erinnerung überleben sollte, angesichts der „Speicherkrise“, die wir – ausgelöst durch die Verschwendung unserer dysfunktionalen Gesellschaft – an künftigen Generationen vererben werden.

Ausgehend von dieser Vorstellung, dass Abfall sowohl eine allgegenwärtige Realität als auch ein Ad-hoc-Material für zukünftige Gesellschaften ist, begab sich Evans‘ in Vorbereitung auf die Ausstellung auf die Suche nach entmilitarisiertem Rüstungsabfall. Das gesammelte Metall stammt von EST Energetics, einer Abfallentsorgungsanlage, die den Müll einer boomenden europäischen Industrie neutralisiert und für einen neuen Lebenszyklus aufbereitet (während Tonnen von Rüstungsabfällen mit ihren physisch und psychisch giftigen Chemikalien in den Böden und Gewässern dieser Welt verbleiben). Dieser Recyclingprozess ist selbst Teil einer industrialisierten Kriegswirtschaft, die Wert aus Zerstörung schöpft.

Vor diesem Hintergrund ist wichtig zu erwähnen: Das aus der Lieferkette entnommene Material wurde von der Künstler:in persönlich und ohne jegliche finanzielle Gegenleistung gesammelt.

Aus der Umwandlung des Metallabfalls sind kleine Alltagsgegenstände entstanden, die nun in den Posterrahmen der GAK zu sehen sind. Wie auch in der ursprünglichen Ad Hoc Order Reihe, wird jedes Objekt von einem Titel begleitet, der als spöttische Drohung gegenüber einer bestehenden Ordnung gelesen werden kann und andeutet, dass die Überreste der automatisch erzeugten Krisen in nützliche Werkzeuge verwandelt werden, um die alte Ordnung zu überwinden und in eine neue überzugehen.

Ergänzt werden die Objekte von Plakaten, die ursprünglich für das Fundraisingprojekt Love is Resistance entworfen wurden, auf denen der Satz des palästinensischen Dichters Mahmoud Darwish an seinen kurz zuvor verstorbenen Freund Edward Said zu lesen ist: „I urge you to cling to the impossible!“ – Ich fordere dich auf, am Unmöglichen festzuhalten!

C.B. Evans Ausstellung Ad Hoc Order ist die fünfte in unserer Reihe for fear of continuity problems, die sich in einem Teilbereich der GAK sowie den Posterrahmen im Außenraum mit Erinnerung und Gedächtnis auseinandersetzt.

23.05.–05.07.2026

Eröffnung: 22.5. 19:00

Die Reihe for fear of continuity problems ist die Einladung zu einem Ping-Pong-Spiel mit dem kleinen Buchladen der GAK und der Frage, wie sich Erinnerung, Perspektiven, Narrationen, Identitäten und Unbewusstes verräumlichen und öffentlich verhandeln lassen. Julia Horstmann hat für das gemeinsam konzipierte Projekt ein neues Bücherregal entworfen, das angelehnt ist an die Idee vom Gedächtnispalast, einer Methode der Erinnerung anhand von Räumen und Artefakten.

Gefördert durch

Der Senator für Kultur der Freien Hansestadt Bremen, Liebelt Stiftung Hamburg, Waldemar Koch Stiftung, Sparkasse Bremen

Beth Collar, Harm Coordes & Luisa Recker, Alex Hojenski sowie Pierre Allain und Jashua Bustos Chumasero:Produced on the Skin

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Die Gruppenausstellung Produced on the Skin zeigt vom 23. Mai bis 23. August 2026 künstlerische Arbeiten, die sich mit den Schnittstellen und Grenzbereichen auseinandersetzen, die uns umgeben und uns ausmachen. Über die Haut, den Sehsinn, Berührungen und die Struktur unseres Gehirns, über technische Apparate, Kleidung und Architektur vermitteln unterschiedliche Arten von Membranen zwischen Individuen und ihrer Umgebung. Sie verarbeiten und reagieren auf Eindrücke. Sie prägen, wie wir uns verhalten, was hineindarf und was wir lieber nicht an uns ranlassen, wovor wir uns schützen und womit wir aktiv umgehen und was wir nach Außen tragen wollen. Der Begriff des Prägens ist dabei mitunter auch ganz plastisch zu verstehen: von Substanzen bis zu Erlebnissen – Einflüsse verändern Körper, Gehirne und Haltungen.

„Ich habe immer gedacht, dass künstlerisches Schaffen ein Weg der Hautlosen sei, um sich mit einer Haut zu versehen“, schreibt die Schriftstellerin Kirstina Lugn in „Hundstunden“. Künstlerisches Arbeiten begreift sie in diesem Sinne als Membran, die die Beziehung zwischen selbst und Umgebung, zwischen Sprache und Material filtert. Die künstlerischen Arbeitsweisen in der Ausstellung verhandeln diese materiellen Grenzen und reflektieren was aufgenommen wird und in welcher Form es wieder ausgegeben wird. Sie thematisieren Fragen von Verkrustung und Durchlässigkeit, Rückzug und Verflüssigung, Nähe und Distanz.

Hella Gerlach: Spektrum

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Die Ausstellung Spektrum von Hella Gerlach ist die vierte Ausstellung in der Reihe for fear of continuity problems, die sich in einem Teilbereich der GAK sowie den Posterrahmen im Außenraum mit Erinnerung und Gedächtnis auseinandersetzt.

In ihren Arbeiten beschäftigt sich Hella Gerlach (*1977, lebt in Berlin) mit Kommunikation und Beziehungen als Zusammenspiel von Körpern und Technik. Im Zentrum steht dabei oft die Berührung. Was berührt, hinterlässt eine Spur, löst eine Reaktion aus und bildet einen Datensatz, der sich in Technologien und Körper einschreibt. Das Spektrum, in dem diese Berührungen stattfinden können, ist groß. Mittels Sensoren und deren Erweiterungen können körperliche Berührungen große Distanzen ebenso überbrücken wie unterschiedliche Formen von Wahrnehmung zwischen Körpern.

Große und kleinere Wollobjekte, die Gerlach modelliert, gewaschen und weiter in Form gezogen hat, hängen an Gummiseilen im Raum. Sie sind teils mit Technik ausgestattet, was ihre Möglichkeiten der Reaktion auf Berührungen um Zitterbewegungen und Schwingungen erweitert. Die Kommunikation zwischen den Objekten selbst sowie zwischen ihnen und Menschen verläuft non-verbal und schreibt sich als Erinnerung ein. Inside-out heißt diese Serie taktiler Objekte, deren Formen an von innen nach außen gedrehte Körper erinnern.

Diese Bewegung zwischen Innen und Außen greift Hella Gerlach auch in einer Soundarbeit sowie im Außenraum auf. Hier bringt sie die eigentlich innenliegenden Seiten ihrer aktuellen Publikation Kollagen auf die Wand. Mittels Händen und Ohren, vorhandenen und neuen Buchseiten entfaltet sich auf der Gebäudehülle eine Text-Bild-Sammlung zu unterschiedlichen Formen und Gesten der Berührung. Jede Berührung ist eine Verkettung sensorischer Wahrnehmungen. Schwingungen werden übertragen und umgewandelt, weitergegeben und durch unzählige Materialien geleitet, gebündelt, gespeichert und wieder weitergegeben. Gerlachs Arbeiten verhandeln dabei durchaus auch Spannungen zwischen Körper und Technologie, zwischen Möglichkeit und Verletzlichkeit, Erweiterung und Verlust.